Setdart

Setdart Auction was founded in 2004 and is currently the leading online art auction in Spain. Apart from art they specialise in sculptures, jewellery, archaeology, furniture, antiques and lamps.

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Escuela colonial del s

Escuela colonial del s. XVII. “San Miguel Arcángel”. Óleo sobre lienzo. Con marco original en madera corleada. Medidas: 84 x 64 cm; 96 x 76 cm (marco). Los Arcángeles son el nivel superior del Tercer Orden en las jerarquías angélicas, y son los únicos de entre ellas que poseen nombres. En cuanto a Occidente, el Concilio de Letrán (746) limitó el número de los arcángeles a que rendir culto a tres (Miguel, Gabriel y Rafael), circunstancia que cambió a partir del descubrimiento en 1516 de un fresco en la iglesia de San Ángel de la orden de los Carmelitas en Palermo en el que la Trinidad aparecía con los siete arcángeles, que, además, sería reproducido (a veces, con variaciones) por numerosos grabados, extendiendo de esta manera la iconografía. Así, desde este momento, la Iglesia católica incluso a este número entre los que recibirían culto, multiplicándose las representaciones de los mismos ya en un solo cuadro, ya formando ciclos con cada uno de ellos en una obra, hasta que posteriormente se retirarían algunos. Según cuenta la tradición, San Miguel es el jefe de la milicia celestial y defensor de la Iglesia. Precisamente por ello combate contra los ángeles rebeldes y contra el dragón del Apocalipsis. Es además psicopompo, es decir, que conduce a los muertos y pesa las almas el día del Juicio Final. Los eruditos han relacionado su culto con el de varios dioses de la Antigüedad: Anubis en la mitología egipcia, Hermes y Mercurio en la clásica, y Wotan en la nórdica. En Occidente, el culto a San Miguel empieza a desarrollarse a partir de los siglos V y VI, primero en Italia y Francia, y después extendiéndose por Alemania y el resto de la Cristiandad. Las iglesias y capillas que se le dedican son innumerables en torno al año 1000, en relación con la creencia de que en dicha fecha llegaría el Apocalipsis. A menudo, sus templos están localizados en lugares altos, dado que se trata de un santo celestial. Los reyes de Francia le dispensaron una particular veneración a partir del siglo XIV, y la Contrarreforma le convirtió en jefe de la iglesia contra la herejía protestante, dando un nuevo impulso a su culto. San Miguel Arcángel es un santo militar, y por tanto patrón de los caballeros y de todos los oficios relacionados con las armas, así como con las balanzas, por su papel de juez apocalíptico. Su iconografía es de una riqueza considerable, pero relativamente estable. Aparece por regla general con atavío de soldado o de caballero, sosteniendo una lanza o espada y un escudo decorado con una cruz. Cuando combate contra el dragón lo hace a pie o por los aires, lo que permite distinguirlo de San Jorge, que casi siempre va a caballo. No obstante, la gran diferencia entre los dos santos son las alas de San Miguel.Read more

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  • 6d 10h
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880 GBP

EQUIPO CRÓNICA (Valencia, 1964 – 1981)

EQUIPO CRÓNICA (Valencia, 1964 – 1981). “Bodegón nacional”, 1972. Serigrafía offset tridimensional con troquelado (carpeta desplegable), ejemplar 56/200. Firmada y justificada a mano. Adjunta el libro “Equipo Crónica” de Tomás Llorens. Medidas: 34 x 20,5 cm. Obra reproducida en el catálogo “Equipo Crónica. Obra gráfica-múltiples (1965-1982)” (Bilbao: Museo de Bellas Artes, 1988), p. 140. El Equipo Crónica, o Crónicas de la Realidad, fue un grupo de pintores españoles activo entre 1964 y 1981. Lo fundaron Manolo Valdés, Juan Antonio Toledo, quien se desligó pronto del grupo, y Rafael Solbes, cuya muerte en 1981 puso fin al proyecto. Formó también parte del grupo el historiador y crítico Tomás Llorens, quien explica las bases teóricas del Equipo en un texto titulado “La distanciación de la Distanciación”. Asimismo, los tres pintores firmaron un manifiesto en 1965, donde se definieron como un grupo de trabajo con métodos colectivos y fines supraindividuales. Equipo Crónica se apartó del informalismo imperante para cultivar una pintura figurativa, muy ligada al pop-art. Hartos de la introspección, estos artistas salieron a la calle y observaron el mundo que les rodeaba, una sociedad de industrialización incipiente y de turistas. Su estilo supuso una mezcla única de realismo, crítica, pop, citas pictóricas, anacronismos y pastiches agridulces. El grupo produjo pinturas, esculturas y grabados, y solía trabajar en series, lo que permitía analizar un mismo tema con diferentes variantes. Equipo Crónica parte de un lenguaje muy sencillo, con imágenes monocromas y repetidas, muy próximas a los medios de comunicación contemporáneos, a la foto de periódico sobre todo. Existen obras del Equipo Crónica en el IVAM de Valencia, el Museo Reina Sofía de Madrid, el MACBA de Barcelona, la Fundación Juan March y en el Museo Patio Herreriano de Valladolid, entre otros. En 2007 se organizó una muestra dedicada al Equipo Crónica en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca.Read more

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  • 5d 10h
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1 600 GBP

MANUEL MATEO CUENCA (La peraleja, Cuenca ,1951)

MANUEL MATEO CUENCA (La peraleja, Cuenca ,1951). “Composición”. Acrílico sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior derecho. Adjunta certificado de autor. Medidas: 80 x 80 cm. Manuel Mateo Cuenca comenzó su formación artística y trabajó junto a artistas como Antonio Galán del Amo, José Carrilero, Venancio Blanco, Joaquín García Donaire, José Castro Llamas, Cristino Mallo, Otero Besteiro, Jesús Valverde, Pablo Palazuelo. Comenzó a exponer en el año 1973 cuando realizó una muestra colectiva en el Banco Americano (Ameribank) de Madrid. Al igual que en Galería Tolmo de Toledo, además ese mismo año fue galardonado con el premio Nacional Salcillo en Murcia. Respecto a su primera muestra individual en el año 2000, en la galería Ra del Rey de Madrid, cabe citar que el artista ya contaba con una larga carrera expositiva. Tanto nacional como internacionalmente destacando su participación en exposiciones como Avant Premiere. Capa Esculturas, Bruselas en 2015, Affordable Art Fair London Spring Edition, Londres en 2008 o Estampa, el Salón Internacional del Grabado y la Edición de Arte Contemporáneo. Capa Esculturas. Madrid en 2004 entre otras. A dichas muestras que han constatado su reconocimiento artístico le han seguido diversos galardones, ejemplo de ello son el II Premio de Escultura en la II Bienal Internacional El Baloncesto en las Bellas Artes en el año 2000, La mención Especial de Escultura XXVII, el certamen de Artes Plásticas de Getafe, ( Madrid) en 1979, la medalla de oro en la XVIII Exposición Nacional de Escultura y el premio Julio Antonio, Tarragona en 1974 entre otros muchos. Hoy en día sus obras se encuentran divididas en diferentes colecciones particulares como las colecciones Ros Urigüen (Madrid), y números centros artísticos de gran relevancia cultural entre los que destacan la diputación de Cuenca, la fundación Pedro Ferrándiz de Madrid, la fundación Eduardo Capa, en Alicante, el ministerio de Cultura de Madrid, el Museo Reina Sofía y el Museo de Cuenca. Su obra se caracteriza por un acercamiento al constructivismo geométrico que nunca llega a confundirse con un esquematismo rígido. Incluso en sus volúmenes más voluptuosos, la línea, la luz o la sombra, y a veces, el hueco, marcan un contrapunto geométrico que ordena y recoge la composición y que enriquece sus puntos de vista. A través de un expresivo y logrado juego de volúmenes y líneas, de tonos y texturas, de apoyos y desafíos a la gravedad, la escultura de Manuel Mateo contagia de una serenidad artística que se transmite al espectador al instante. Dentro de un esquematismo estilístico que recuerda inevitablemente a las vanguardias del siglo pasado.Read more

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  • 12d 9h
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790 GBP

JOSEP MARIA SUBIRACHS SITJAR (Barcelona, 1927)

JOSEP MARIA SUBIRACHS SITJAR (Barcelona, 1927). Sin título. Técnica mixta sobre cartón. Firmada en el ángulo inferior derecho. Certificada por el artista al dorso. Medidas: 60 x 50 cm; 89 x 80 cm (marco). Tras ingresar a los catorce años en el taller de un dorador aficionado a la escultura, donde modeló sus primeras obras en barro, en 1942 entra como aprendiz en el taller del escultor Enrique Monjó. Cinco años después comienza a trabajar como ayudante de Enrique Casanovas. En 1948 muestra su obra por primera vez, en la Casa del Libro de Barcelona, y en 1950 funda, junto con otros artistas, el grupo Postectura. En 1951 viaja a París para completar su formación, becado por el Instituto Francés de Barcelona. Regresa a Barcelona en 1953 y es distinguido con el Premio de Escultura del Salón del Jazz. Tras dos años trabajando y exponiendo en Bélgica regresa a España, y en 1958 es galardonado con el Gran Premio San Jorge de la Diputación de Barcelona y con el “Julio González” de la Cámara Barcelonesa de Arte. A partir de entonces se suceden los encargos de obras públicas, entre las que destaca su importante trabajo escultórico en la fachada de la Pasión de la Sagrada Familia. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en diversas ciudades españolas, así como en Lisboa, Ginebra, Amberes, Bruselas, Taipei, Chicago, París, Nueva York, Zurich, Estocolmo o Copenhague, entre otras. Entre sus galardones cabe también señalar el Premio de Dibujo Ynglada-Guillot (1966), el Premio San Martín (1971) y la Medalla al Mérito en las Bellas Artes (1988). En 1980 fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Jorge. Ha participado en las principales bienales internacionales, como São Paulo, Venecia, La Habana, Amberes, El Cairo, Alejandría, Lausana y Budapest. Está representado en el Centro Reina Sofía, los Museos MACBA de Barcelona, Ibiza, Sevilla y Nueva York, los de Bellas Artes de Bilbao, Birmingham, el Vaticano, Taipei y Nebraska, el Museo al Aire Libre del Paseo de la Castellana en Madrid, el Museo du Petit Palais de Ginebra y el Millesgärden de Estocolmo, entre otros.Read more

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  • 5d 9h
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2 200 GBP

Escuela castellana del siglo XVI

Escuela castellana del siglo XVI. “Santiago el Mayor predicando”. Pintura sobre tabla. Forma pareja con el lote 35207439. Medidas: 90,5 x 60,5 cm; 97 x 68 cm (marco). La presente obra nos ofrece una escena bíblica protagonizada por Santiago el Mayor, vestido como peregrino, si bien portando una capa bordada que cubre su cuerpo hasta las rodillas. A pesar de que en la obra que se presenta la figura de Santiago no presenta sus atributos característicos, podemos confirmar su iconografía debido a otra obra, coetánea y pareja del lote que se presenta, en la que Santiago queda perfectamente determinado por el báculo, la capa de peregrino, el libro que porta y por presentar los pies descalzos. De esta manera, la escena muestra el momento en el que Santiago el Mayor, hermano de Juan e hijo de Zebedeo, predica la palabra de Dios en una iglesia desconocida para el espectador, si bien perteneciente al panorama español, ya que -según se narra en la Biblia- Cristo indicó a Santiago (a través del Espíritu Santo) que extendiera la fe cristiana. Saliendo pues Santiago de Jerusalén, vino predicando a España, pasando por Asturias, Galicia, Castilla y Aragón. En una de sus predicaciones, Santiago convirtió a ocho hombres, con los cuales salía por las noches a las orillas del río que atravesaba la ciudad, donde dormían y rezaban en comunidad. Nos encontramos frente a una escena perteneciente a la escuela castellana, completamente narrativa, ubicada en un interior cuyas bóvedas apuntadas y capiteles nos indican que se trataría de una iglesia de arquitectura gótica. Numerosos personajes religiosos y ataviados según la a moda del siglo XVI escuchan atentos la palabra de Santiago, comentando entre sí, dispuestos en perspectiva hacia un fondo neutro, sobre el que resaltan las figuras. El ajedrezado del suelo refuerza la sensación de perspectiva buscada por el artista y se muestra como un claro ejemplo de la perspectiva italiana que, en aquellos momentos, comenzaba a introducirse en la península. El Renacimiento español, realizado durante todo el siglo XVI en los territorios de la Corona de Castilla y Aragón, bebe directamente del estilo gótico heredado de los modelos flamencos predominantes durante la época de los Reyes Católicos y de la influencia italiana que paulatinamente va llegando a la península y que dota de más movimiento y naturalidad a las figuras. En Castilla el influjo flamenco predomina durante más tiempo, conservando detalles que podemos ejemplificar en la obra que les presentamos; como el fondo arquitectónico, la atención al detalle en el tratamiento de los ropajes y sus pliegues, el hieratismo en las figuras a pesar del gesto que representan o la importancia de los colores, en los que predominan las tonalidades rojas y ocres.Read more

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  • 11d 10h
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2 600 GBP

Escuela española del siglo XVII

Escuela española del siglo XVII. “María Magdalena en el desierto”. Óleo sobre tabla. Medidas: 80 x 114 cm; 105 x 137 cm (marco). El artista sitúa en primer término la figura de una bella mujer en actitud reposada. La figura aparece reclinada en un entorno montañoso, sumariamente vestida con una túnica blanca que resbala por sus hombros descubriendo parcialmente el busto. La figura ostenta una larga cabellera pelirroja rizada, que cae en ondas libres de cualquier tipo de velo o ligadura por su busto. La representada lee un libro y se ve rodeada por un conjunto de objetos, entre los que se encuentra una talla de la Crucifixion, un bote de ungüentos, un mueble y unos candelabros. Tanto las características físicas como el bote de perfumes permiten identificar a la mujer como a María Magdalena, un personaje nacido de diversas referencias neotestamentarias entrecruzadas con leyendas y relatos hagiográficos diversos. En solitario, María Magdalena suele representarse como aquí vemos, haciendo penitencia en el desierto, arrepentida de sus pecados pasados. Según la leyenda medieval, la santa experimentaba hasta siete veces al día los arrebatos místico, durante los cuales los ángeles la transportaban al cielo para escuchar sus coros musicales. En esta ocasión los ángeles se situan en un segundo plano. La tradición medieval la considera a María Magdalena una de las más fieles seguidoras de Cristo, prostituta arrepentida convertida en santa gracias al poder de su fe en Jesús. Son varias las fuentes que narran su retiro al desierto y su vida eremítica tras la muerte, Resurrección y Ascensión de Cristo a los cielos. El tema de los santos eremitas en extensos paisajes panorámicos fue muy del gusto del barroco. Por una parte, permitía la representación de personajes con una fuerte carga expresiva y emocional, en actos de penitencia, contrición o iluminación mística. Por otra parte, es en los siglos XVII y XVIII cuando el género paisajístico va ganando en importancia por sí mismo y esta temática facilita la plasmación de bellas vistas que en ocasiones, como aquí, adquieren también un carácter emocional, expresivo. En este caso, tras la santa se despliega un paisaje calmado, con un celaje claro donde puede verse, en el punto de fuga, junto a la línea de horizonte, la incipiente luz que anuncia un nuevo día. Asimismo, observamos un camino serpénteo en un monte, en cuya parte alta se sitúa una edificación. La iluminación interna del cuadro, crea un efecto de contraste con el otro foco de luz, exterior a la composición, frontal, que incide sobre la santa poniendo de relieve sus formas. Ambos focos de luz, por otra parte, generan un sutil juego de claroscuros que colabora también en la creación de la profundidad de campo, de la perspectiva aérea.Read more

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  • 4d 10h
Low estimate
1 600 GBP

EUSEBIO SEMPERE (Onil, Alicante, 1923 – 1985)

EUSEBIO SEMPERE (Onil, Alicante, 1923 – 1985). Sin título. Serigrafía. Ejemplar 49/75. Firmado y justificado a lápiz. Medidas: 76 x 55,5 cm. En esta obra se pueden observar elementos dominantes propios del arte óptico como líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, cambios de forma o tamaño y la combinación o repetición de formas o figuras. La obra incita al espectador a participar activamente moviéndose o desplazándose en torno a ella para para poder captar el efecto óptico completamente. Escultor, pintor y artista gráfico, Sempere es el pintor más representativo del arte cinético en España. Inició sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia, y en 1948 se instaló en París gracias a una beca, debutando en dicha ciudad en el Salon des Realites Nouvelles. Tras un periodo en España, donde fue miembro del Grupo de Cuenca y de Parpalló, en 1964 viaja, de nuevo becado, a los Estados Unidos, exponiendo ese mismo año en la galería Berta Schaefer de Nueva York. A finales de los años sesenta se centrará en el uso del ordenador para fines artísticos, desarrollando una labor en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid que le convertirá en pionero de este arte en España. Cuenta con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, y su obra está presente en el Museo Reina Sofía, el MoMA de Nueva York, el IVAM de Valencia, el Patio Herreriano de Valladolid, el British Museum de Londres y el Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio, entre muchos otros.Read more

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  • 12d 9h
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440 GBP

Circulo de Juan Carreño de Miranda (Avilés, Asturias, 1614-Madrid

Circulo de Juan Carreño de Miranda (Avilés, Asturias, 1614-Madrid, 1685) “Inmaculada Concepción” Óleo sobre lienzo. Medidas: 186 x 120 cm (marco) Pintado hacia 1660 Procedencia: Colección Duques del Parque Imagen de la Inmaculada Concepción dinámica y de elegante composición, con la figura de María en el centro, rodeada por flotantes paños y acompañada por numerosos ángeles niños, tratados con tonos cálidos en contraste con los nacarados, más fríos, de la propia Virgen. Esta obra se enmarca dentro del círculo de Juan Carreño de Miranda, una de las figuras principales del panorama pictórico cortesano español de la segunda mitad del siglo XVII, al que aportó un estilo que mezcla la solidez estructural con un notable gusto por el color, y que tiene como fuentes tanto las obras de las generaciones de artistas locales precedentes, incluyendo a Velázquez, como las de algunos de los pintores extranjeros que más influyeron en el desarrollo del barroco madrileño, entre ellos Tiziano, Rubens y Van Dyck. Sobrino y yerno de pintores, se formó en los talleres de Pedro de las Cuevas y Bartolomé Román, en Madrid, y su primera obra fechada data de 1646. Desde entonces se mostrará muy activo en el medio madrileño, en el que ocupó una posición privilegiada, ostentando importantes cargos oficiales. De hecho, fue nombrado pintor del rey en 1669, y desde entonces y hasta su muerte se dedicó principalmente a retratar a la familia real y a diversos miembros de la corte. Fue un notable dibujante, cultivó el fresco y fue autor de una prolífica producción de pintura sobre lienzo, destacando como pintor religioso además de cómo retratista. Contó en este género con importantes clientes como la catedral de Toledo y destacadas órdenes religiosas. Actualmente Carreño de Miranda está ampliamente representado en el Museo del Prado, así como en el Municipal de San Telmo en San Sebastián, el Hermitage de San Petersburgo, el J. Paul Getty de Los Ángeles, el Kunsthistorisches de Viena, el Louvre en París, el Metropolitan de Nueva York, el de Bellas Artes de Boston, el Rijksmuseum de Ámsterdam, el de Bellas Artes de Bilbao, el Courtauld Institute de Londres, el Museo Lázaro Galdiano, la Hispanic Society de Nueva York, la Biblioteca-Museo Víctor Balaguer de Vilanova i la Geltrú y la Casa-Museo de El Greco en Toledo, entre muchos otros.Read more

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  • 3d 10h
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2 600 GBP

Escuela española, siglo XVIII

Escuela española, siglo XVIII. “Bodegón con almuerzo y rosas”. Óleo sobre lienzo. Presenta leves repintes y restauraciones. Posee una dedicatoria incisa. Medidas: 46 x 62 cm; 69 x 86 cm (marco). En este lienzo el autor nos ofrece un bodegón donde combina diferentes alimentos con las flores. Se trata de un bodegón donde el color prima sobre el resto de aspectos pictóricos, si bien cobran también importancia la descripción de las calidades y el juego de luces y sombras, claves de la tradición del bodegón barroco español. Los elementos que componen la escena se sitúan sobre una mesa colocada en paralelo al margen inferior del cuadro. Sobre ella se sitúan a dos alturas los elementos que conforman el bodegón. En la zona inferior todos estos elementos aparecen en primer término, claramente destacados sobre un fondo oscuro y neutro que realza su volumen y el brillo de sus colores. Esta obra se muestra fiel a las normas del género del bodegón establecidas por los maestros españoles en el siglo XVII, si bien muestra un estilo avanzado dentro del barroco, debido a la fecha de su ejecución, ya bien entrado el siglo XVIII. Así, vemos los objetos organizados en dos niveles, como ya hicieran Sánchez Cotán y otros, sobre un fondo oscuro que realza su volumen, pero ya ha quedado atrás la estricta claridad compositiva y el rigor geométrico. En cambio, la composición es más dinámica y naturalista, con los distintos elementos organizados de forma más libre, unos frente a otros, si bien aún son perfectamente visibles y distinguibles entre sí, sin que la composición llegue a confundirse, algo a lo que ayuda el punto de vista escogido por el autor.Read more

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  • 5d 10h
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2 600 GBP

“MONTESOL”; JAVIER BALLESTER GUILLEM (Barcelona, 1952)

“MONTESOL”; JAVIER BALLESTER GUILLEM (Barcelona, 1952). Sin título. Óleo sobre lienzo. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 51 x 49,5 cm. Artista de formación autodidacta, Montesol abandonó sus estudios de economía en 1972, participando desde entonces activamente en la vida cultural barcelonesa. Inició su carrera dentro del mundo del cómic, y su interés por la pintura comenzará en 1985, a raíz de un viaje que realizó a París de la mano de Jean Pierre Guillemont. Sus primeras propuestas tendrán una postura naïf, que revelan sus orígenes en el cómic. Poco después se trasladó a París y se adentró en el terreno del impresionismo, para iniciar una amplia experimentación con el color. Montesol ha celebrado exposiciones individuales en las ciudades más importantes de España, así como en salas de Nantes (Francia) y Nueva York. Entre 1972 y 1088 participó en el movimiento de cómic “Underground” primero, y más tarde “Línea Clara”, así como en la fundación de las revistas “Star” y “El Cairo”, como autor de cómics. Ha trabajado también la ilustración y la obra gráfica. Como pintor, Montesol se centra principalmente en la plasmación de paisajes urbanos, ya sean de Madrid, Barcelona, París u otra de las ciudades que ha visitado. En sus obras pictóricas destaca ante todo la gestualidad, el trazo independiente que se mueve de forma libre por la superficie del lienzo, dotando a las formas de vibración y sentido expresivo.Read more

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  • 6d 10h
Low estimate
440 GBP

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